lunes, 30 de septiembre de 2013

Mozart : La Finta Giardiniera (Karthäuser - Ovenden - Penda - Chappuis) Jacobs [iTunes AAC M4A]




René Jacobs continúa con su ciclo de operas de Mozart grabadas para Harmonia Mundi con esta versión de la "La Finta Giardiniera" aparecida en octubre del año pasado.

La ópera se estrenó el 7 de enero de 1775, cuando Mozart rondaba los 18 años. Fue un fracaso en su estreno, no pasó de tres representaciones y en 1780 el compositor sometió el trabajo a revision y la convirtió en un singspiel llamado "Die verstellte Gärtnerin". Tras la muerte del compositor apareció una revisión del original, con una orquestación mas elaborada y que por mucho tiempo se creyó provenía de la pluma del mismo Mozart. Esta versión se estreno en Praga en 1796 y fue la que finalmente sobrevivió al paso del tiempo y siguió apareciendo en los teatros europeos durante los siguientes siglos. En la década del 70 se encontró el manuscrito original de la primera versión, se hizo grabación y también se presentó en varios teatros logrando de alguna manera contraponerse a la versión mas difundida.

Jacobs opta aquí por la versión de Praga pero al parecer sin incurrir en los cortes tradicionales. El tratamiento es el habitual en la batuta del director, los tempos son ágiles y los contrastes remarcados. Al mismo tiempo en el equipo de cantantes predominan los nombres "jovenes". Sobresale la pareja de Sophie Karthäuser como Sandrina/Violante y Jeremy Ovenden, ambos resaltando las posibilidades histrionicas de sus roles. Por otro lado brilla Alex Penda (a.k.a. Alexandrina Pendatchanska) como Arminda.


Sophie Karthäuser (Sandrina)
Jeremy Ovenden (Contino Belfiore)
Alex Penda (Arminda)
Marie-Claude Chappuis (Cavaliere Ramiro)
Nicolas Rivenq (Podestà)
Sunhae Im (Serpetta)
Michael Nagy (Roberto)

Freiburger Barockorchester
René Jacobs (Conductor)

Harmonia Mundi
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sábado, 28 de septiembre de 2013

Puccini : Manon Lescaut (Callas - Di Stefano - Fioravanti) Serafin [iTunes AAC M4A]



Durante la temporada 1956-1957 la Callas había aparecido en tres sensacionales producciones de Luchino Visconti en La Scala, estas fueron "Anna Bolena", "Ifigenia in Tauride" y "La Sonnambula". Una temporada absolutamente belcantista que no se vió reflejada en las grabaciones que Walter Legge tenía planeadas para el verano de ese mismo año. Si bien EMI ya había grabado "Il barbiere di Siviglia" y "La Sonnambula" en febrero y marzo de 1957, Legge prefirió abstenerse de mayores aventuras y grabar dos títulos convencionales, estos fueron "Manon Lescaut" y "Turandot". A tanto llegaba su desprecio o ignorancia del repertorio italiano que prefirió dejar la grabación de "Medea", efectuada en septiembre de ese mismo año, en manos de Ricordi y desligarse por completo de un repertorio que no conocía y en el cual nunca confió como un producto rentable en el mercado discográfico.

Se puede decir que esta temporada es el último periodo de éxitos y calma en la vida artística de la soprano, si bien claramente le significó grandes cuotas de estrés vocal debido al amplio repertorio con el que debió lidiar y los problemas de salud que la aquejaron finalizado el verano. Las grabaciones se extendieron durante todo el mes de Julio, entre el 9 y 15 se dedicó a "Turandot" y ya desde el día 18 se centraron en "Manon Lescaut". Para la época, la voz de la Callas ya no era apropiada al rol de la princesa china, es muy probable que la extenuante tesitura del rol haya dejado huella en el órgano vocal que se hace notoria en la grabación de "Manon Lescaut", donde se la oye cansada y con el torrente vocal claramente disminuido.

La Callas no cantó nunca en escena el rol de Manon, sin embargo es innegable el manejo absoluto que tiene tanto de la música como de la interpretación del personaje. A pesar de las tensiones vocales evidenciadas en los momentos mas expuestos, la magia de su interpretación suple en gran medida las falencias de la vocalidad. Por otro lado es muy bienvenida la justeza y precisión rítmica con la que se enfrenta al acto segundo, donde la escritura del personaje evoca las ligerezas del siglo XVIII, así se pueden oír por primera vez los trinos, trecillos y adornos de "L'ora o tirsi" ejecutados con total limpieza. Mención especial merece su acto cuarto y la intensidad con la que logra perfilar la desolación de su personaje, sin caer en excesos.

El resto del elenco se completa con el Des Grieux de Giuseppe di Stefano, absolutamente exigido en una vocalidad ajena a sus posibilidades, si bien el hermoso timbre surge aquí y allá en los momentos mas líricos, con el trascurso de la ópera ya las tensiones se hacen evidentes. El Lescaut de Fioravanti cumple y en los roles menores sobresale el Músico de una joven Fiorenza Cossotto.


Maria Callas (Manon Lescaut)
Giuseppe di Stefano (Chevalier des Grieux)
Giulio Fioravanti (Lescaut)
Franco Calabrese (Geronte di Ravoir)
Dino Formichini (Edmondo)
Carlo Forti (L’oste)
Vito Tatone (Il maestro di ballo)
Fiorenza Cossotto (Un musico)
Giuseppe Morresi (Sargente)
Franco Ricciardi (Lampionaio)
Franco Ventriglia (Commandante)


Orchestra e Coro del Teatro Alla Scala di Milano
Tullio Serafin (Conductor)

EMI
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viernes, 27 de septiembre de 2013

Ghena Dimitrova - Puccini & Verdi Arias [iTunes AAC M4A]



Este disco reúne material de dos recitales de la Dimitrova grabados en la primera mitad de la década del 80', cuando florecía la carrera italiana de la soprano. Las arias de Puccini fueron grabadas en 1984 y las de Verdi el año siguiente. Según tengo entendido el álbum de Verdi, dirigido por Gardelli, es mas amplio y no ha aparecido publicado en CD en su forma original.

Ghena Dimitrova nació en Beglej, Bulgaria, el 6 de mayo de 1941. Estudió en el Conservatorio Nacional de Sofía y debutó en 1967 en la Opera de Sofia como Abigaille en "Nabucco". En 1970 ganó el Concurso de Jóvenes Cantantes de Sofia, lo que le permitió estudiar durante dos años en la Academia de la Scala de Milán. Entre sus maestros tuvo a Margherita Carosio y Gina Cigna, a quien la soprano consideraba su mentora.

En 1971 recorrió Francia cantando la Leonora de "La Forza del Destino", al año siguiente ganó un concurso en Treviso al interpretar a Amelia en "Un Ballo in Maschera", lo que le abrió las puertas del temible escenario del Regio di Parma, donde interpretó la misma ópera al lado de Carreras y Cappuccilli. En 1978 debutó en el Colon de Buenos Aires y el mismo año apareció en la Opera Estatal de Viena como Tosca y Santuzza.

Los primeros años de carrera internacional transcurrieron mayormente en escenarios de segunda linea. Por esta época la soprano cantó mucho en Sudamérica, España, Alemania y Rusia pero las grandes salas de occidente parecían reacias a abrir sus puertas a la cantante. El gran espaldarazo se lo dio la Arena de Verona, en donde interpretó en 1980 el titular de "La Gioconda" al lado de Pavarotti con gran éxito de publico y criticas. El Festival se convirtió en un lugar de frecuentes triunfos durante casi dos décadas. Interpretó allí Nabucco (1981), Macbeth (1982), Turandot (1983), Santuzza (1993) y Aida en 1993 y 1996.

En 1981 hizo su debut americano como Elvira en "Ernani" en la Opera de Dallas y por la misma época se presentó en la Opera Estatal de Berlin como Minnie en "La Fanciulla del West". Ya encumbrada en la fama, la soprano fue invitada a abrir la temporada 1983-84 de La Scala, cantando el rol de "Turandot" en la ópera de Puccini. Su asociación con la sala milanesa se extendió durante toda la década del 80, siendo una de las estrellas del teatro. En 1984 apareció como Giselda en "I Lombardi" y fue la encargada de abrir dos temporadas consecutivas del teatro. En 1985 fue Amneris en "Aida" y en 1986 "Abigaille" en Nabucco. En las temporadas 1988 y 1989 apareció como Santuzza en "Cavalleria Rusticana", Abigaille, Turandot y Tosca.

En 1983 debutó en Londres en una versión en forma de concierto de "La Gioconda", el mismo año debutó en el Covent Garden como "Turandot". En 1984 se presentó en Barcelona con Abgaille y Odabella y en el Festival de Salzburgo como Lady Macbeth. En el Metropolitan de New York debutó en 1987 como "Turandot". Su relación con la sala neoyorkina se extendió hasta 1997, su repertorio ahí incluía ademas a Santuzza, La Gioconda, Tosca, Minnie y Amneris.

La voz de la Dimitrova sobresalía por la opulencia desbordante de las vibraciones y el arrojo descomunal que parecía desafiar la salud misma del instrumento. En el centro el timbre era bello y terso, el agudo surgía aguerrido y seguro hasta la cima del Do, si bien muchas veces la sonoridad se empañaba por un excesivo metal, por otro lado el grave, colocado en el pecho, era seguro y potente, lo que le permitió presentarse con éxito en Amneris y Éboli. La técnica le permitió transitar con relativa facilidad por la literatura belcantista, si bien no se la puede considerar una estilista consumada logró impactantes retratos de Abigaille, Odabella y Lady Macbeth. En "Norma" en cambio, nunca convenció. En terrenos de dramática neta brillaba en Gioconda y fue una de las mas imponentes Turandot del siglo XX.

En este disco se pueden oír grandes versiones de sus roles estelares combinadas con otros momentos de muy poco interés. En el Puccini mas lírico se la oye incómoda, si bien logra el matiz necesario en el fraseo y las dinámicas, por otro lado las arias mas dramáticas de Turandot y Manon Lescaut son gloriosas de sonoridad y arrojo. En Verdi las cosas funcionan mucho mejor, impresionante en la escena de Lady Macbeth y sorpresivamente matizada y controlada en la bellisima escena de Odabella.

Tracklist:

1. In Questa Reggia (Turandot)
2. Tu che di gel sei cinta (Turandot)
3. Senza Mamma (Suor Angelica)
4. O mio babbino Caro (Gianni Schicchi)
5. Un bel di (Madama Butterfly)
6. Che tua madre dovra (Madama Butterfly)
7. Tu, tu, piccolo iddio (Madama Butterfly)
8. Se come voi piccina (Le Villi)
9. Si, mi chiamano Mimi (La Bohème)
10. Quando m'en vo' soletta (La Bohème)
11. Donde lieta uscì (La Bohème)
12. Vissi d'arte (Tosca)
13. In quelle trine morbide (Manon Lescaut)
14. Sola, perduta, abbandonata (Manon Lescaut)
15. Ritorna Vincitor (Aida)*
16. Salve Maria (I Lombardi)*
17. Liberamente or piangi... Oh! nel fulgente nuvolo (Attila)*
18. Nel dì della vittoria (Macbeth)*

Philharmonia Orchestra
Anton Guadagno (Conductor)
Münchner Rundfunkorchester*
Lamberto Gardelli (Conductor)*

EMI
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martes, 24 de septiembre de 2013

Offenbach - Les Contes d'Hoffmann (Burrows - Sills - Treigle - Marsee) Rudel [iTunes AAC M4A]



Ernst Theodore Amadeus Hoffmann fue un artista alemán (compositor, escritor, director, pintor, diseñador, administrador, etc) que vivió entre 1776 y 1822. Tuvo una vida llena de vicisitudes de todo tipo, y pasó a la historia, mas que por su obra propia, por la influencia que ejerció en un gran numero de artistas posteriores. En la literatura, su pluma se puede rastrear en Merminée, Gautier, las hermanas Brontë, Irving e incluso Poe. Mientras que en el mundo musical su nombre e historias poblaron la imaginación de numerosos compositores, desde Schumann (Kreisleriana) hasta Tchaikovsky (El Cascanueces), pasando por Delibes (Coppelia) y, por supuesto, Offenbach.

El libreto de "Los Cuentos de Hoffmann" proviene de una obra de Jules Barbier y Michel Carré del mismo nombre estrenada en 1851. Offenbach comenzó la composición de la obra en 1875, el proceso se extendió hasta mayo de 1879 cuando el compositor ofreció selecciones de la ópera, acompañadas con piano, a un publico de 300 personas que incluían a Léon Carvalho, empresario de l'Opéra-Comique y Franz von Jauner, director del Ringtheater de Viena. El "adelanto" fue todo un éxito y, con los contratos prácticamente firmados, el compositor se dio a la tarea de terminar la composición, adaptar algunas partes para mayor lucimiento de Adèle Isaac, la soprano destinada a encarnar las cuatro heroínas, como también a comenzar la orquestación de la partitura. Sin embargo todos estos planes se vieron truncados por la repentina muerte del compositor el 5 de octubre de 1880, dejando la orquestación incompleta, ademas de un amplio material que incluía revisiones, cortes, nuevas arias, transposiciones y un largo etc.

Con la muerte de Offenbach se confió la tarea de completación y orquestación a Ernest Guiraud, quien había ganado notoriedad al escribir los recitativos para la producción de "Carmen" en la Opera de Viena un par de años antes. Guiraud, junto con Léon Carvalho (director de l'Opéra-Comique) se dieron a la tarea de organizar el material y completar la orquestación de una ópera que en su forma final se extendía en cinco actos. Tras los ensayos de Febrero de 1881 se decidió eliminar el acto de Giulietta, dividiendo la ópera en 3 actos y un epilogo. La música del acto de Giulietta se repartió en diferentes momentos de la ópera. La famosa "barcarolla" terminó siendo cantada atrás de escena, por dos cantantes anónimos, en los momentos finales del acto de Antonia (incuso en ediciones posteriores llegó a ser cantada por Antonia y Nicklausse...) y el dueto entre Hoffmann-Giulietta fue a parar al epilogo. Además de este cambio mayor, se hicieron cortes en el coro de los espíritus del Acto I, se eliminó el trio entre Hoffmann, Nicklausse y Coppélius, como también el dueto entre Hoffmann y Nicklausse. Se hicieron cortes en el dueto entre Hoffmann y Antonia y también en las partes del Dr. Miracle.

Finalmente la ópera se estrenó el 10 de febrero de 1881 con enorme éxito de publico y criticas. El 7 de diciembre de 1881 se presentó en el Ringtheater de Viena en una traducción de Julius Hopp. Durante la segunda representación ocurrió una explosión de gas que destruyo el teatro y mató a mas de cien personas. El desastre llevó a la ruina al empresario Franz von Jauner, quien culpado por la explosión terminó suicidándose. Esta tragedia dejó huella en la obra misma y por los teatros del centro de Europa se extendió la fama de mala suerte que rodea a la obra desde aquel entonces.

Choudens, la casa editora, trató de establecer diferentes versiones de la ópera, algunas con recitativos y otras con diálogos hablados. El mismo Guiraud preparó una segunda versión que restituía el acto de Giulietta, insertándolo entre Olympia y Antonia pero mantenía los cortes establecidos en la producción de Carvalho. En 1882 apareció una tercera edición, esta vez con los diálogos hablados y un acto de Giulietta con nuevo material proveniente de material escrito por el mismo Offenbach. En 1887 apareció la cuarta edición de Guiraud, con una estructura similar a la tercera, manteniendo los diálogos hablados pero incurriendo en nuevos cortes. En 1904 Raoul Gunsburg produjo una versión en la Opera de Monte Carlo que usaba material revisado por Pierre Barbier, hijo de Jules. En esta nueva versión se incluía por primera vez el aria de Dapertutto "Scintille Diamant", extraída de un solo de cello de la obertura de "Le voyage dans la lune" de Offenbach. Otros cambios incluían la aparición del aria de Coppélius (J'ai des yeux), proveniente de "Tourne, tourne miroir". Barbier produjo además material nuevo para la creación de un sexteto con coro en el acto de Giulietta. Gunsbourg contó con André Bloch, discípulo de Guiraud, quien terminó de orquestar y dar forma final al acto de Giulietta. Así las cosas, en 1907 Choudens publicó la nueva edición que con el paso de los años se convirtió en la "versión tradicional".

En la década del 70' salió a subasta gran cantidad de material original de Offenbach y Barbier, proveniente del primer "adelanto" de la ópera y en 1984 Sotheby's subastó mas de 300 paginas provenientes del manuscrito original de Offenbach que incluían porciones ya orquestadas para los ensayos como también música para el acto de Giulietta, antes del corte impuesto por Carvalho. Este material "nuevo" sirvió para la composición de nuevas ediciones criticas que aparecieron en la década del 90 que intentan devolverle a la opera la mayor cantidad de material original como también restablecer el orden ideado por Offenbach y latente en el libreto de Barbier, es decir con el acto de Giulietta a continuación del acto de Antonia.

A pesar de los esfuerzos de Guiraud, Carvalho, Pierre Barbier y André Bloch, la mayoría de los expertos concuerdan en que que no hay ni nunca habrá una versión definitiva de la obra de Offenbach. Si bien actualmente se pueden saber medianamente las intenciones originales del compositor, muchas veces alteradas por la tradición, nunca podremos saber lo que Offenbach habría producido tras los ensayos, instancia que siempre usaba para moldear la forma final de sus trabajos.

Esta versión, grabada en Agosto de 1972, usa la "versión tradicional". La principal atracción es el trabajo de Beverly Sills en su encarnación de las cuatro heroínas. La Sills está captada aquí en su mejor etapa y no decepciona ni en las partes pirotécnicas de Olympia ni en el canto mas reposado y lírico de Antonia. Su Giulietta es una delicia de seducción de principio a fin. Otro punto de interés es la labor de Norman Treigle que dota a sus encarnaciones del mal con grandes cuotas de histrionismo. Burrows sale airoso de la empresa, no es el ideal ni mi favorito pero canta con innegable belleza.


Stuart Burrows (Hoffmann)
Beverly Sills (Olympia, Giulietta, Antonia, Stella)
Norman Treigle (Lindorf, Coppélius, Dapertutto, Miracle)
Susanne Marsee (Nicklausse, La Muse)
Nico Castel (Andrès, Spalanzani, Pitichinaccio, Frantz)
Robert Lloyd (Crespel)
Patrica Kern (La voix de la mère d'Antonia)
Raimund Herincx (Hermann, Schlémil)
Bernard Dickerson (Nathanaël, Cochenille)
John Noble (Luther)

John Alldis Choir
London Symphony Orchestra
Julius Rudel (Conductor)

Westminster
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domingo, 22 de septiembre de 2013

Pawel Lisizian - Lebendige Vergangenheit [iTunes AAC M4A]



Pawel Lisizian (a veces Pavel y otras Lisitzian o Lisitsian) fue el barítono mas famoso de la Unión Soviética, tuvo una carrera extensa situada mayormente en Rusia y los países del este y una de las voces mas hermosas del Bolshoi, quizás no la mas voluminosa pero ciertamente la que mas se acercaba al modelo de italianidad algo ausente en sus compatriotas.

Lisizian nació el 6 de noviembre de 1911 en Vladikavkaz, una ciudad minera enclavada en el Cáucaso, en medio de una familia bastante pobre. Su abuelo era transportista y su padre trabajaba como excavador. Si bien su destino parecía ya trazado, el joven Pawel demostró sus cualidades en un grupo amateur en su ciudad natal que le valió ser recomendado para el Conservatorio de Leningrado en donde comenzó sus estudios en 1932. Su época de estudiante estuvo marcada por las estrecheces económicas y la interrupción de sus estudios en repetidas ocasiones. Para la época el cantante participaba en grupos de actuación y talleres de ópera y combinaba su actividad artística con su trabajo como soldador.

Se puede decir que la carrera profesional del barítono comenzó al ser contratado por el Teatro Maly de Leningrado, pronto llamó la atención suficiente como para aparecer en el Bolshoi de Moscú, en donde cantó ininterrumpidamente durante veintiséis temporadas entre 1940-1966. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial el cantante dio mas de 500 conciertos en el frente y terminado el conflicto fue condecorado con medallas "Por Valentía" y "Liberación del Cáucaso".

Lisizian fue de los pocos artistas soviéticos que se les permitió aparecer en el extranjero. Se presentó en New York en marzo de 1960 primero en un concierto en el Carnegie Hall y luego como Amonasro en "Aida" en el escenario del Metropolitan. En La Scala de Milán se presentó en medio de la gira del Bolshoi como Napoleon en "Guerra y Paz" de Prokofiev y Yeletsky en "La dama de Picas" de Tchaikovsky. Como recitalista hizo apariciones en mas de treinta países (la mayoría pertenecientes a la órbita soviética) y mantuvo además una estrecha relación con los escenarios de su nativa Armenia, en los que se presentaba todos los años.

Lisizian se alejó del modelo de "cantante actor" dejado por otros colegas de la época y siguió una senda en la que la vocalidad era siempre el factor primordial, sin dejar de lado la expresión. La voz era brillante, el vibrato tendía a ser rápido pero el cantante sabía controlarlo gracias a una técnica de respiración estupenda. Eran notables la nobleza de la linea y el cuidado en la pronunciación. La totalidad de estas grabaciones están hechas en idioma ruso pero a pesar de la barrera idiomática el cantante sabe encontrar el vuelo expresivo en el fraseo y la vocalidad.

Tracklist:

1. Il trovatore - Il balen del suo sorriso
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Vladimir Piradov (Conductor)
   1948

2. Un ballo in maschera - Alla vita che t'arride
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Onissim Bron (Conductor)
   1952

3. Un ballo in maschera - Eri tu
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Onissim Bron (Conductor)
   1952

4. La traviata - Pura siccome un angelo
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Yelisaveta Shumskaya (Soprano)
   Alexander Orlov (Conductor)
   1947

5. La traviata - Di provenza, il mar
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Alexander Orlov (Conductor)
   1947

6. Faust - Avant de quitter ces lieux
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Vassily Nebolssin (Conductor)
   1947

7. I pagliacci - Si puo
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Samuel Samosud (Conductor)
   1955

8. Zazà - Zazà, piccola zingara
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Vladimir Piradov (Conductor)
   1948

9. Nero - Imen! Imen!
   Bolshoi Theatre Orchestra
   Alexander Melik-Pashayev (Conductor)
   1957

10. Eugen Onegin - Written Words
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Alexander Melik-Pashayev (Conductor)
    1960

11. Mazeppa - O Maria, Maria
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Alexander Melik-Pashayev (Conductor)
    1960

12. The Enchantress - The Prince's Aria
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Alexander Melik-Pashayev (Conductor)
    1960

13. Pique Dame - I love you, dear
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Alexander Melik-Pashayev (Conductor)
    1952

14. Sadko - Song of the Venetian Guest
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Nikolai S. Golovanov (Conductor)
    1952

15. Arshak II - Arshak's Arioso
    Bolshoi Theatre Orchestra
    Alexander Orlov (Conductor)
    1960

Preiser Records
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viernes, 20 de septiembre de 2013

Renée Fleming - Guilty Pleasures [iTunes Plus AAC M4A]



Renée Fleming, a.k.a "The Beautiful Voice", vuelve a la carga con este recital donde ofrece un repertorio que no frecuenta ni en los escenarios de ópera ni en la sala de concierto. El programa en sí es bastante ecléctico y de alguna manera se convierte en el perfecto reflejo de lo que ha sido la carrera de la soprano.

La voz se mantiene en excelente forma, la Fleming ya supera los 54 años de edad y los signos de desgaste no son tan evidentes como en otras colegas de su generación. En términos generales el color bello de su voz se mantiene, si bien el esmalte y el lustre se oye expuesto y "resquebrajado" por el paso del tiempo pues ya la estela luminosa que recorría y cubría todo su registro se oye algo opaca y en muchos momentos da paso a una sonoridad añosa y árida. Ejemplo claro de esto es su decepcionante versión para el "Duo de las flores" de Lakme.

Cuando la voz se encuentra reposada y no sometida a malabarismos varios, el timbre sigue sonando hermoso, prueba de ello es su versión para "Ombra di Nube" de Refice o su hermosa lectura de "La Delaissado" de Canteloube. Un efecto parecido logra en "Träume" de los Wessendonck-Lieder de Wagner.

La versión que les ofrezco contiene un track extra, la hermosa canción "Sure On This Shining Night " de Samuel Barber, ademas del Digital Booklet con los detalles de grabación y las letras.

Tracklist:

1. Les nuits d'été, Op. 7: I. Villanelle
2. Phidylé
3. Ombra di nube
4. Siete canciones populares españolas: V. Nana
5. Siete canciones populares españolas: VI. Canción
6. Undina: Undina's Aria
7. Sumerki (Twilight), Op. 21, No. 3
8. Les Filles de Cadix
9. Lakmé, Act I: "Sous le dôme épais" (Flower Duet)
10. Chants d'Auvergne: VII. La Delaissado
11. Chants d'Auvergne: XIII. Malurous qu'o uno Fenno
12. Armida: "Za Štíhlou Gazelou"
13. The Kiss (Hubicka): Lullaby
14. Walzer aus Wien: “Frag mich oft”
15. Wesendonck Lieder: V. Träume "Sag', welch wunderbare Träume"
16. The Ghosts of Versailles, Act II: "Once There Was A Golden Bird"
17. "O Danny Boy"
18. Sure On This Shining Night, Op. 13, No. 3

Philharmonia Orchestra
Sebastian Lang-Lessing (Conductor)

Decca
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jueves, 19 de septiembre de 2013

Strauss : Die Fledermaus (Teschemacher - Mikorev - Anders - Wulf - Kristjansson) Görlich [MP3]


Por ahí me pidieron esta grabación que sinceramente no conocía. No soy muy entusiasta del "Murciélago" pero aquí se las dejo. La grabación data de 1938, no tengo el dato exacto pero creo que es una transmisión radial y está dirigida por la batuta de Gustav Görlich que le imprime velocidad y brío inusitado ( y muchas veces demasiado) a la partitura. En el cast sobresale el Alfred de Peter Anders y la curiosidad de poder oír a un tenor interpretando al Principe Orlovsky, en la voz de Einar Kristjansson. En la escena de la fiesta la versión nos regala cuatro piezas a cargo de Erna Berger, Peter Anders, Maria Reining y Ester Réthy, un lujo.

Margarete Teschemacher (Rosalinde )
Karl Mikorev (Gabriel von Eisenstein)
Peter Anders (Alfred)
Martina Wulf (Adele)
Elisabeth Fiechtner (Ida)
Einar Kristjansson (Prinz Orlofsky)
Karl Schmitt-Walter (Dr Falke)
Robert Keifer (Dr Blind)
Hans Herbert Fiedler (Frank)
Eduard Pöltner (Frosch)

Einlagen als Gäste... Erna Berger, Peter Anders, Maria Reining & Ester Rethy

Chor und Orchester des Reichssenders Stuttgart
Gustav Görlich (Conductor)

Gebhardt Records
mp3@192Kbps | Cover
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martes, 17 de septiembre de 2013

Jonas Kaufmann - The Verdi Album [iTunes Plus AAC M4A]


Quizás sea este el plato fuerte del año en cuanto a recitales verdianos, inclusive mas que el intento de la Netrebko hace unas semanas y definitivamente superior al de Beczala, al menos en términos de marketing y exposición mediática.

Kaufmann llega a este recital verdiano sin grandes credenciales en el repertorio y le sirve, como en el caso de Netrebko, para presentar en disco un par de roles en los que aparecerá en los próximos meses, puntualmente Manrico en "Il Trovatore" y Don Alvaro en "La forza del destino" a presentarse en Noviembre y Diciembre de este año en Munich. En años pasados el tenor ya se ha atrevido con Alfredo en "La Traviata" (ausente en este recital), el Duque en "Rigoletto" y el titular de Don Carlo.

La voz de Kaufmann no es lo que uno esperaría en Verdi (ni en el repertorio italiano en general) el engolamiento constante y lo artificioso de la impostación no tienen nada que ver con la italianidad necesaria para cantar Verdi o Puccini. Esta posición tan posterior en la impostación consigue la producción del color oscuro y baritonal típico del tenor pero por otro lado priva a la voz de una verdadera libertad de resonancia y por lo tanto el squillante, necesario y muchas veces la única salvación del tenor verdiano enfrentado a grandes masas corales, está absolutamente ausente en la vocalidad de Kaufmann. Por otro lado la emisión no es homogénea a lo largo del registro y muchas veces se oyen sonidos opacos y roncos en el centro.

La faceta musical y expresiva está servida de manera excelente, a Kaufmann se le da muy bien el spianato y las frases líricas de Riccardo, Rodolfo y Gabriele Adorno, de alguna manera encuentra la matización de manera exitosa, logrando un muy buen diminuendo en el final de "Celeste Aida" pero sin el impacto de otros grandes del pasado (Corelli, Pavarotti?) a falta del squillante ya mencionado. Sin embargo es difícil imaginar al tenor cantando el rol completo y enfrentado al concertato del acto segundo o los extenuantes dúos del acto tercero y cuarto. Incluir a Otello me suena mas a capricho que a seriedad musical.


Tracklist:

1. Rigoletto: "La donna è mobile"
2. Aida: "Se quel guerrier io fossi!...Celeste Aida"
3. Un Ballo in Maschera: "Di' tu se fedele"
4. Un Ballo in Maschera: "Forse la soglia attinse... Ma se m'è forza perderti"
5. Il Trovatore: "Ah! sì, ben mio... Di quella pira"
6. Luisa Miller: "Oh! fede negar potessi... Quando le sere al placido"
7. Simon Boccanegra: "O inferno! Amelia qui!... Sento avvampar nell'anima... Cielo pietoso, rendila"
8. Don Carlo: "È lui! desso, l'Infante!... Dio, che nell'alma infondere"
9. La Forza del Destino: "La vita è inferno all'infelice...O tu, che in seno agli angeli"
10. I Masnadieri: "Destatevi, o pietre... Giuri ognun questo canuto"
11. Otello: "Dio! mi potevi scagliar"
12. Otello: "Niun mi tema"

Coro del Teatro Municipale di Piacenza
Orchestra dell'Opera di Parma
Pier Giorgio Morandi (Conductor)

Sony Classical
m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet + Making of and Interview
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lunes, 16 de septiembre de 2013

Maria Callas - Soprano Assoluta [BJR Masters]



Hoy se cumple un nuevo aniversario del fallecimiento de Maria Callas, muchos me han pedido un post dedicado a la cantante pero en verdad es bastante difícil innovar con respecto a ella, de quien se ha escrito y se ha oído tanto. Prácticamente no quedan grabaciones que no hayan sido posteadas en la internet, por lo que me remitiré a entregarles un material presentado por el sitio de Maria Callas Museum, se trata de los masters originales del sello BJR de grabaciones del vivo realizadas por la Divina durante el periodo 1949-1959. Y ya que son precisamente las grabaciones del vivo preservadas por BJR las que muchos callasianos buscan por la claridad de las tomas, muy superiores a las comercializadas por EMI, espero que este aporte sea del interés de muchos de ustedes y sirva como un buen homenaje al arte de la Callas.

Mucho se ha hablado de la voz y el arte de la Callas y la verdad es que con el paso de los años el genio de su faceta teatral y la vida novelesca que le tocó vivir han terminado eclipsando a su faceta musical, piedra angular de todo el "fenómeno Callas".

Sin querer echar por tierra el mito de la soprano actriz, hay que decir que la Callas en escena era una figura que, si bien se movía con absoluta propiedad por el escenario, prefería abstenerse de grandes gestos y desplantes escénicos. Cuando se dice que los cantantes de la época no actuaban se está incurriendo en un error bastante injusto pues desde siempre existieron fenómenos escénicos como la Jeritza en los 20' y 30' o la Olivero en los 50's, que cabían perfectamente en la categoría de cantante-actriz.

Callas nunca fue una actriz de tipo naturalista, muchas veces prefería mantenerse estática en escena, siguiendo los sabios consejos de Luchino Visconti, y valiéndose de la expresión de su rostro y manos entregar toda la gama de emociones del personaje que parecían ebullir con singular poder precisamente gracias a la limpieza de gestos y movimientos superfluos que muchas veces mas que ayudar, terminan por disgregar la fuerza interpretativa de un artista.

Su verdadero magnetismo no provenía de un mero desplante físico, ya visto en otras cantantes de la época y de tiempos pasados, sino de una profunda expresión musical y el uso de una técnica interpretativa que le permitía penetrar, desde la música, en la psicología de todos los personajes que alguna vez abordó.

María tuvo una formación musical de primera categoría, leía música, tocaba y se acompañaba al piano con fluidez. Sus conocimientos musicales le permitieron una mirada global de las óperas que interpretó y una visión expresiva que siempre comenzaba desde el discurso musical ideado por el compositor. Fue famosa por su estricto apego a la partitura y su justeza en la ejecución y fue dueña, además, de un sentido del tempo que muchas veces la salvó de desencuadres musicales producidos por coros y directores mediocres.

La expresión en la ópera nace de la palabra, a la que el compositor pone música. Es trabajo del interprete "simplemente" escuchar la música para encontrar el significado y la verdadera expresión. La Callas se valía no solamente de sus conocimientos musicales sino también de su habilidad con el idioma italiano, en el que supo encontrar los acentos, inflexiones, matices y la cadencia adecuada para apoyar y desarrollar la expresión. Se sabe que Callas, una vez aprendida la música, se daba a la tarea de declamar el texto para así encontrar el color y la emoción de cada palabra. El suyo fue uno de los mas hermosos ejemplos de "canto hablado". Todo este proceso, que a los ojos de un oyente puede parecer tedioso y complicado, estaba en gran parte apoyado por el instinto dramático infalible de la artista pero no por eso hay que desconocer las enormes cuotas de estudio, técnica y trabajo incansable aplicadas al desarrollo de su arte.

La voz de la Callas ha sido centro de discusión desde el momento mismo en que la soprano comenzó a cantar en Italia, tratar de ponerse de acuerdo a estas alturas parece imposible. Su instrumento debió haberle presentado varios desafíos desde el comienzo de sus estudios. El timbre no era de una belleza clásica pero era notable la extensión del registro que se expandía, en su mejor momento, por casi tres octavas. Al ser una voz tan extensa, la calidad de los registros y la habilidad en el empaste de los mismos variaba dependiendo de muchos factores, defecto que sus detractores siempre hicieron notar. La base técnica entregada por Elvira de Hidalgo le permitió a la artista un continuo proceso de búsqueda que culminó en un lustro (1953-1957) de relativa tranquilidad vocal y manejo absoluto del instrumento. En esta época desaparecieron en gran medida los sonidos angulosos y los efectos de contraste entre los registros de los que la cantante abusó en su primera época de fenómeno vocal. La Callas supo encontrar en estos años, gracias al incansable trabajo, una sedosidad vocal que a priori le parecía vedada por la naturaleza misma de su instrumento. El uso que la artista daba a su instrumento sobresalía en especial por la manera en que utilizaba tanto sus ventajas como defectos en la tarea interpretativa y se puede decir que en ella los defectos de su instrumento pasaban a formar parte de la amplia gama de recursos dramáticos de las que disponía.

Por último les dejaré lo que Giacomo Lauri-Volpi escribió a mediados de los 50's sobre la cantante en su famoso libro "Voces Paralelas".



MARIA CALLAS

"Voz ligera, lírica, dramática, abraza el repertorio representado por tres siglos y medio de música melódica: voz múltiple, método personalisimo.

¿En qué consiste el fenómeno de esta voz, que, ante todo, alarma e indispone al público? En la primera octava y en los pasajes "entubados", en las discrepancias de registro, da la idea de tres voces diversas superpuestas. Después del primer acto, la voz se morbidece, se suaviza, rompe la nudosidad, redondea la angulosidad para convertirse en líquida, fluida y a veces desbordante. El público entonces se calma, pone atención y acaba por dejarse prender, envuelto en la trama de hilos luminosos que la voz, araña paciente y tenaz, y al mismo tiempo temeraria y maliciosa, ha tendido en la atmósfera. Finalmente, enfadado por haberse dejado persuadir, el público sale del teatro con el propósito de volver y hacer justicia.

Entre propósitos de venganza y de aquiescencia, María Callas se aprovecha de su aislamiento, ya que no surgen voces ligeras capaces de amenazar la posición conquistada, y se dedica a hacer incursiones, sin ser molestada, en el vasto campo del melodrama.

En sólo tres años se ha colocado en primera linea. La Scala  ni siquiera habría pensado en ella. El que escribe la propuso para la parte de protagonista en "I Vespri Siciliani", al superintendente Ghiringhelli, en sustitución de la Caniglia, ausente. Fue él, pues, quien tuvo la inspiración de allanar el camino a la novísima diva, y se atrajo iras, malquerencias, recelos, por haber demostrado, también con sus escritos ("A pecho descubierto"), la urgencia de reconocer la valía de esta cantante, en interés del teatro agonizante.Y el tiempo no la ha desmentido.

Se sabe que no todo es perfecto en estas voces "múltiples" que abrazan repertorio antitéticos. En las óperas dramáticas son demasiado claras; en las ligeras, demasiado oscuras; en las líricas, demasiado tecnicistas. En suma, les falto algo, que, en las voces especializadas en unas cuantas óperas del mismo estilo, se encuentra en plenitud de expresión. Por lo cual la Tebaldi, por ejemplo, produce a los adversarios de la Callas la sensación de una relativa perfección en los valores formales de su voz, que no presenta hendiduras, ni notas sordas, ni amalgama tímbrica. (No hay, por lo tanto, posibilidad de confrontación entre las dos cantantes, tan diversas por calidad de voz y temperamento.) Pero ¿existe acaso algún diamante que no tenga en su composición la sombra de un carboncillo?

Hoy la Callas impera en La Scala. Ha conseguido su propósito, asiduamente, tenazmente querido. El conjunto de sus méritos supera el balance de sus imperfecciones. Y las intemperancias de sus adversarios le han dado tal publicidad que le ha permitido alcanzar una cotización comercial que no corresponde, propiamente, a su valor artístico."

Giacomo Lauri-Volpi



Esta compilación de grabaciones editadas por BJR provienen casi en su totalidad desde tres conciertos "Martini e Rossi" producidos en Febrero de 1952, Diciembre de 1954 y septiembre de 1956. El resto del material esta tomado de la primera grabación Cetra realizada en 1949, el concierto en el Herodes Atticus de 1957, el famoso concierto en el Palais Garnier en 1958, la transmisión televisada del concierto de Londres en 1959, el ensayo en Dallas y por último un extracto de "Il Pirata" producido en forma de concierto en el Carnegie Hall en enero de 1959.

A lo largo de los tres masters, con sus dos lados por disco, se puede oír la evolución interpretativa y estilistica de la soprano como también su progresivo desgaste vocal.

Tracklist:

Side 1:

1. Casta diva ... Ah! bello a me ritorna (Norma, Vincenzo Bellini)
    CETRA recording, Torino, Rai Auditorium
    Orchestra Sinfonica di Torino della Rai, Arturo Basile conductor
    November 1949

2. Vieni! t'affretta! ... Or tutti sorgete, ministri infernali (Macbeth, Giuseppe Verdi)
    Radio broadcast, Torino, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Torino della Rai, Oliviero de Fabritiis conductor
    18 February 1952

3. Il dolce suono ... Ardon gl'incensi (Lucia di Lammermoor, Gaetano Donizetti)
    Radio broadcast, Torino, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Torino della Rai, Oliviero de Fabritiis conductor
    18 February 1952

Side 2:

1. Ben io t'invenni, o fatal scritto! ... Anch'io dischiuso un giorno (Nabucco, Giuseppe Verdi)
    Radio broadcast, Torino, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Torino della Rai, Oliviero de Fabritiis conductor
    18 February 1952

2. Dov'è l'indina bruna? (Lakmé, Léo Delibes)
    Radio broadcast, Torino, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Torino della Rai, Oliviero de Fabritiis conductor
    18 February 1952

3. Tutte le torture (Il ratto dal serraglio, Wolfgang A. Mozart)
    Radio broadcast, Sanremo, Teatro dell’Opera del Casinò Municipale, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 December 1954

4. Depuis le jour (Louise, Gustave Charpentier)
    Radio broadcast, Sanremo, Teatro dell’Opera del Casinò Municipale, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 December 1954

Side 3:

1. D'amor al dolce impero (Armida, Gioachino Rossini)
    Radio broadcast, Sanremo, Teatro dell’Opera del Casinò Municipale, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 December 1954

2. Ahimè! che notte oscura ... Ombra leggiera (Dinorah, Giacomo Meyerbeer)
    Radio broadcast, Sanremo, Teatro dell’Opera del Casinò Municipale, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 December 1954

3. Tu che invoco con onore (La vestale, Gaspare Spontini)
    Radio broadcast, Milan, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 September 1956

Side 4:

1. Bel raggio lusinghier (Semiramide, Gioachino Rossini)
    Radio broadcast, Milan, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 September 1956

2. Ai vostri giochi ... Vi voglio offrir dei fiori ... Dorme in sen (Hamlet, Ambroise Thomas)
    Radio broadcast, Milan, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 September 1956

3. Oh, vieni al tempio (I puritani, Vincenzo Bellini)
    Radio broadcast, Milan, Rai Studios, Grandi concerti Martini e Rossi
    Orchestra Sinfonica di Milano della Rai, Alfredo Simonetto conductor
    27 September 1956

Side 5:

1. Pace, pace mio Dio! (La forza del destno, Giuseppe Verdi)
    Athens, Herodes Atticus Amphitheater (Athens Festival)
    Orchestra of the National Greek Radio, Antonino Votto conductor
    5 August 1957

2. Dolce e calmo (Tristano e Isotta, Richard Wagner)
    Athens, Herodes Atticus Amphitheater (Athens Festival)
    Orchestra of the National Greek Radio, Antonino Votto conductor
    5 August 1957

3. Una voce poco fa (Il barbieri di Siviglia, Gioachino Rossini)
    Paris, Palais Garnier, Légion d'Honneur gala
    Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris, Georges Sébastian conductor
    19 December 1958

4. Sì, mi chiamano Mimì (La bohème, Giacomo Puccini)
    Television broadcast (ITN), London, Wood Green Empire Theatre
    Royal Philharmonic Orchestra, Malcolm Sargent conductor
    3 October 1959

5. L'altra notte in fondo al mare (Mefistofele, Arrigo Boito)
    Television broadcast (ITN), London, Wood Green Empire Theatre
    Royal Philharmonic Orchestra, Malcolm Sargent conductor
    3 October 1959

Side 6:

1. O rendetemi la speme ... Qui la voce sua soave ... Vien, diletto e in ciel la luna (I puritani, Vincenzo Bellini)
    Rehearsal, Dallas, State Fair Music Hall
    Dallas Symphony Orchestra, Nicola Rescigno conductor
    20 November 1957

2. Oh! s’io potessi ... Col sorriso d’innocenza ... Qual suon ferale ... O sole, ti vela (Il pirata, Vincenzo Bellini)
    New York, Carnegie Hall (concert of complete opera)
    American Opera Society Orchestra, Nicola Rescigno conductor
    27 January 1959

BJR
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* Envíenme un  mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

viernes, 13 de septiembre de 2013

Natalie Dessay - Mozart Concer Arias [iTunes AAC M4A]



Se habló mucho del retiro de la Dessay de los escenarios pero al parecer la decisión no es tan contundente como suena. Lo que se sabe hasta ahora es que por lo menos durante el 2015 no aparecerá en ningún rol operático pero si tiene planeada una gira de conciertos con repertorio de Lied y Chanson y también un tour con Michel Legrand en el que cantará canciones de jazz y pop, usando micrófono.

Este disco de arias de concierto de Mozart es un claro testimonio de lo magnífica cantante que fue la Dessay, captada aquí en el comienzo de su carrera internacional, hace ya casi 20 años. Este período de gloria se extendió hasta mediados de 2001 cuando la cantante sufrió su primera crisis vocal que terminó por llevarla al quirófano.

Para la época la voz de Dessay era cristalina y brillante, el agudo estratosferico se extendía sin aparente esfuerzo por encima del Sol sobreagudo sin que con ello perdiera redondez en el centro de la voz, defecto usual en todas las sopranos ligeras.

La grabación original fue realizada por EMI, entre el 12 y 16 de Diciembre de 1994. Posteriormente fue traspasada al catalogo Virgin Classics desde donde proviene esta edición de 2009.

Tracklist:

1. Ah Se In Ciel, Benigne Stelle, K. 538
2. Vorrei Spiegarvi, Oh Dio, K. 418
3. No, Che Non Sei Capace, K. 419
4. Se Tutti I Mali Miei, K. 83
5. Popoli Di Tessaglia, K. 316
6. Mia Speranza Adorata, K. 416
7. Alcandro, Lo Confesso, K. 294
8. Ma Che Vi Fece, O Stelle, K. 368

Orchestre de l'Opéra de Lyon
Theodor Guschlbauer (Conductor)

Virgin Classics
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martes, 10 de septiembre de 2013

Max Emanuel Cencic - Venezia : Opera Arias of the Serenissima [iTunes AAC M4A]



Para seguir con la fiebre de contratenores desatada con el reciente álbum de Franco Fagioli, les traigo acá el último disco de Max Emanuel Cencic, otro de los exponentes mas importantes de este canto y que tanto me han pedido via e-mail.

Ya lo he dicho antes, no soy especial partidario de la cuerda de contratenor, quizás el único que soporte es a Fagioli pues dentro de todos es el de timbre mas parecido al de una mujer, los demás, incluido Cencic, tienen voces derechamente feas, donde abundan las resonancias ingratas y los sonidos tirantes y destemplados.

Si algo positivo se puede decir de este álbum es el factor musical, servido estupendamente por la dirección de Riccardo Minasi y su Pomo d'Oro. Cencic tiene a sus espaldas una formación musical de primera que le permite un juego muy interesante en la composición de sus da capo y en la distribución de los adornos, como también en la graduación del fraseo. El problema es la voz. Un contratenor es una voz falsa, pues apoya toda su producción en el falsete, es decir las cuerdas vocales están sometidas a una tensión extra y no vibran en toda su extensión por lo que la sonoridad y colorido es muy limitado comparado con una voz natural. Este mismo truco tiene también otro inconveniente, las cuerdas vocales vibran con mucho menor contacto entre ellas y por lo tanto el paso del aire es mayor, acortando el fiato de manera considerable. Un buen contratenor disfraza este defecto distribuyendo los cortes de manera astuta, pero aun recurriendo a todos los trucos posibles la frase musical se resiente.

Tracklist:

1. Adriano in Siria - Act III: Barbaro non comprendo
2. La costanza combattuta in amore - Act III: Mormorando quelle fronde
3. A' piedi miei svenato
4. Flavio Anicio Olibrio - Act I: Dolce mio ben, mia vita
5. Anche in mezzo a perigliosa
6. Merope - Act III: Sposa... non mi conosci
7. Argippo, RV 697 - Act II: Io son rea dell'onor mio
8. Il nascimento de l'Aurora: Pianta bella, pianta amata
9. La verita in cimento, RV 739 - Act I: Mi vuoi tradir lo so
10. Motezuma, RV 723 - Act II: Quel rossor che in volto miri
11. Nitocri - Act I: Anche un misero arboscello
12. La costanza combattuta in amore, Act I: Ecco il tuo fido

Il Pomo d Oro
Riccardo Minasi (Conductor)

Virgin Classics
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domingo, 8 de septiembre de 2013

Franco Fagioli - Arias for Caffarelli [iTunes Plus AAC M4A]



No soy fan de los contratenores pero debo reconocer que Fagioli me despierta un interés y morbo bastante importantes. A pesar de haber músicos de primera entre los contratenores modernos (Scholl, Jaroussky, Cencic) ninguno me logra convencer desde el puro juego vocal, Fagioli es el único que se acerca bastante a un sonido medianamente agradable.

Ya han aparecido numerosos recitales dedicados a las figuras legendarias de castrati del siglo XVIII, desde el mas archiconocido Farinelli hasta los menos nombrados Carestini o Senesino. Ahora por primera vez un cantante moderno se hace cargo del rockstar por excelencia de entre los castrati: Gaetano Majorano, "Caffarelli".

Caffarelli fue el único castrato capaz de hacerle sombra al propio Farinelli, proclamado en vida como el mas grande cantante de su época. Era menor cinco años que su contendor y desarrolló un estilo pirotécnico que se anteponía al patetismo que Farinelli desarrolló con enorme éxito e impacto dramático ya en su etapa de madurez.

No se tiene real certeza de su lugar de nacimiento, lo que sí se sabe a ciencia cierta es que fue en las cercanías de Bitonto, un pueblo en la provincia de Bari, el 12 de abril de 1710 en una familia de campesinos bastante pobres. Desde muy joven demostró interés por la música a tal punto que descuidaba sus labores en la tierra para ir a oír el órgano de la iglesia cercana. En una de esas oportunidades fue descubierto por Domenico Caffaro, profesor de la Capilla. Una vez que el músico comprobó las cualidades innatas del joven Caffarelli, se entrevistó con su padre y le hizo ver las posibilidades económicas que podría tener si seguía la carrera musical. La leyenda dice que el propio Caffarelli pidió ser castrado, así de seguro y resuelto estaba a tan temprana edad. Eventualmente Caffaro lo transfirió a Nápoles en donde comenzó su entrenamiento musical y vocal bajo la guía de Nicola Porpora, por ese entonces el mayor maestro de su tiempo. Durante cinco años el joven estudiante se sometió al estricto estudio impuesto a los castrati y superó las diferentes dificultades con tal éxito que el mismo Porpora llegó a decirle "Vete, hijo mio. No tengo nada mas que enseñarte. Eres el mejor cantante de Italia y del Mundo".

Debutó en Roma en 1726 en "Il Valdemaro" de Domenico Sarro y rápidamente se presentó en Napoles, Venecia, Turín, Milán y Bolonia. Fue durante un período de aproximadamente diez años la estrella absoluta de los castrati en los escenarios italianos, con Farinelli lejos de la península su carrera floreció, lo mismo que su estilo rimbombante y su carácter explosivo que tanta fama y enemigos le trajo. En 1738 se presentó en Londres en "Faramondo" y creó la parte de "Serse" en la ópera homónima de Handel. En 1739 debutó en Madrid en el Teatro del Buen Retiro, por intercesión de Farinelli que lo quería en las celebraciones por la boda del infante Felipe y la princesa Luisa de Francia.  En 1749 se presentó en Viena con éxito moderado, en 1753 sirvió en la corte de Versalles y en 1754 en Lisboa donde escapó milagrosamente al terremoto que asoló la ciudad. Luego de estos eventos el cantante decidió retirarse de la escena. Si bien se siguió presentando en algunos conciertos aislados y finalmente en una cantata en enero de 1765.

Durante su carrera Caffarelli amasó una enorme fortuna que le permitió comprarse un Ducado con su respectivo titulo nobiliario en la localidad de San Donato. También poseía un magnifico palacio en Nápoles (aun en pie en el numero 15 de la Via Carlo de Cesare) en el que hizo grabar en la entrada la célebre frase "Anfión construyó Tebas, yo esta casa"




La voz de Caffarelli era la de un castrato soprano capaz de todos los alardes técnicos imaginables. En ese sentido era un cantante mucho mas "baroccheggiante" que Farinelli, quien con el paso de los años fue depurando su estilo hacia la simpleza y la moderación en el virtuosismo. Caffarelli por su parte usaba y abusaba de los dones que la naturaleza le había dado a destajo, era famoso por su insistencia en la zona aguda, su manejo impecable de la coloratura y la belleza del sonido que se extendía con homogeneidad por todo el amplio registro. A diferencia de Farinelli, Caffarelli fue un artista en extremo temperamental tuvo sonados romances, una buena cuota de duelos y otro numero no despreciable de problemas políticos fruto de su comportamiento irrespetuoso con las autoridades a las que servía. Sin embargo con los años su carácter se suavizó y terminó sus días donando grandes cantidades de su fortuna a la caridad.

En este disco el contratenor argentino Franco Fagioli se dispone a rendir un homenaje y a recopilar material que el famoso castrato paseara en sus años por los escenarios europeos. La labor musical es de primer orden, Fagioli tiene un instrumento bastante homogéneo, no se le oyen tantos sonidos destemplados como en otros colegas y la coloratura esta servida con la suficiente soltura, definición y rapidez como para recrear una sonoridad perdida en el tiempo. Claramente se queda corto de fiato, de mayor colorido vocal y una seguridad en los extremos de mayor impacto.

Tracklist:

1. Siroe: "Fra l'orror della tempesta"
2. Siroe: "Ebbi da te la vita"
3. Semiramide riconosciuta "In braccio a mille furie"
4. Demofoonte: "Misero pargoletto"
5. Semiramide riconosciuta: "Passaggier che sulla sponda"
6. Adriano in Siria: "Lieto così talvolta"
7. Demofoonte: "Sperai vicino il lido"
8. L'Ipermestra: "Rendimi più sereno"
9. Valdemaro: "Un cor che ben ama"
10. Lucio Vero ossia il vologeso: "Cara ti lascio, addio"
11. Lucio Papiro dittatore: "Odo il suono di tromba guerriera"

Il Pomo d'Oro
Riccardo Minasi (Conductor)

Naïve
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sábado, 7 de septiembre de 2013

Victoria de los Angeles - Songs of the Auvergne & Poem of Love and the Sea [LP]



Victoria de los Ángeles quería ser reconocida como "una recitalista que también canta ópera", el paso de los años terminó dándole la razón pues fue en el campo de la canción en donde su arte se desplegaba en todo su esplendor.

La soprano nació en Barcelona, estudio en el Conservatorio del Liceo en donde se graduó en tan solo tres años. Saltó a la fama tras un concierto de "La vida breve" con la BBC en 1948. En la temporada 1949-50 debutó en todos los grandes teatros del mundo, así se sucedieron sus apariciones en La Ópera de París, Festival de Salzburgo, Covent Garden, La Scala, Teatro Colón, Carnegie Hall y Metropolitan. Se puede decir que durante la década del 50 fue la mas importante cantante del repertorio francés, el que abordaba con grandes cuotas idiomáticas, musicales y de gran conocimiento del estilo.

Desde sus primeros años logró compaginar de manera exitosa tanto su faceta de recitalista como sus presentaciones operaticas. En el campo de la canción fue notable su acercamiento al género del Lied, que dominó como ningún otro cantante de origen latino lo ha hecho. Similares éxitos logró en la Chanson y la canción española donde aún se la puede considerar la interprete definitiva.

En el campo de la ópera sus mejores logros fueron los roles castos de Desdemona, Melisande o Margarita, también tuvo notables éxitos en Manon, Mimí, Donna Anna y Suor Angelica. En estos roles el color vocal y el juego de seducción desplegado por su musicalidad le dieron el éxito seguro. En cambio cuando se acercó a roles mas pasionales, sonaba mas intelectual que espontánea y la interpretación se volvía frígida y sin mayor profundidad interpretativa.

La voz de Victoria de los Ángeles sobresalía por la belleza y pureza de la emisión. Tenía una claridad que la acercaba a las voces blancas y que se volvía ideal para las heroínas cándidas de la ópera. Por otro lado el registro grave surgía con inusual seguridad y redondez, gracias a ello la soprano abordó Rosina con gran éxito y una controvertida versión discográfica de Carmen. Ya en años posteriores se acercó a Charlotte en "Werther" con gran éxito. La zona aguda fue siempre un sector problemático que la cantante sabía enfrentar con aplomo y técnica.

Este disco que acá les traigo apareció a principios de los 70's y no recibió edición a CD de manera integral. EMI decidió desmembralo seguramente para fines comerciales, pues las canciones de Canteloube parecen rendir mayores ingresos que Chausson. Victoria grabó las "Canciones de Auvergne" en dos tandas, primero en Febrero de 1969 y luego en Septiembre de 1974. El sello EMI optó por reunir ambas sesiones en un solo disco y comercializarlas de esa manera. Cuando la grabación apareció en la serie "Great Recordings of the Century" se mantuvo esta formula, dejando a Chausson relegado en ediciones integrales de la soprano.

El álbum es una delicia de principio a fin, las canciones de Canteloube le quedan como anillo al dedo a la soprano y le ofrecen grandes momentos de lucimiento tanto de su hermosa voz como de su legendario fraseo. El "Poème de l'amour et de la Mer" parece el cierre perfecto para un disco melancólico como pocos.

La grabación se realizó en la Salle Wagram de París en Febrero de 1969.

Tracklist:

1. Chants d'auvergne: Bailero
2. Chants d'auvergne: L'Aio de rotso
3. Chants d'auvergne: Ound' onoren gorda
4. Chants d'auvergne: Obal, din lou Limouzi
5. Chants d'auvergne: La delaissado
6. Chants d'auvergne: La fiolaire
7. Chants d'auvergne: Passo pel prat
8. Chants d'auvergne: Brezairola
9. Chants d'auvergne: Chut, chut
10. Poème de l'amour et de la mer: La fleur des eaux (L'air est pleine d'une odeur)
11. Poème de l'amour et de la mer: La fleur des eaux (La mer roule sur le rivage)
12. Poème de l'amour et de la mer: Interlude
13. Poème de l'amour et de la mer: La mort de L'Amour (Bientot l'ile bleu et joyeuse)
14. Poème de l'amour et de la mer: La mort de L'Amour (Et, muet me panchant...)

Lamoureux Concerts Orchestra
Jean-Pierre Jacquillat (Conductor)

EMI
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lunes, 2 de septiembre de 2013

Jan Peerce in Las Vegas [LP]



Ya recuperados del fin de semana lleno de novedades discográficas, retomaremos el hilo dedicado a la "Old School", esta vez con un traspaso desde LP de un álbum de Jan Peerce, el famoso tenor judío-norteamericano favorito de Toscanini.

Peerce nació en New York el 3 de junio de 1904. Estudió violín y formó una banda con sus amigos, la "Pinky Pearl and His Society Dance Band", con la que logró bastante éxito. Sin embargo pronto descubrió que cuando cantaba su voz llamaba mas la atención que su violin y rápidamente comenzó a perfeccionar su técnica vocal. Impresionó favorablemente a Samuel Rothafel, un importante empresario de Broadway y por la misma época apareció con la Radio City Music Hall Of The Air como tenor solista. En 1932 fue contratado por la Radio City Music Hall Company, cuando los conciertos radiales comenzaron a tener público. Rápidamente se convirtió en una de las mayores figuras radiales de la época, tanto en música popular como docta.

Con la Radio City Music Hall el tenor entró en contacto con un amplio repertorio que incluía partes de música ligera, repertorio de concierto, oratorio y opera. Así vinieron los conciertos, las transmisiones radiales y su voz y nombre se hicieron conocidos por todo los Estados Unidos. En 1936 cantó por primera vez "Bluebird of Happiness", que se convertiría en su canción mas famosa y la melodía que mayor resonancia le daría a su nombre fuera de los círculos de música docta.

En febrero de 1938 apareció en una transmisión radial de la Novena Sinfonía de Beethoven dirigido por Arturo Toscanini, lo que a la postre significó su salto a la fama. En mayo del mismo año debutó en la ópera como el Duque de Mantua en "Rigoletto" en Philadelphia y el 29 de noviembre de 1941 debutó en el Metropolitan de New York, como Alfredo en "La Traviata", comenzando una asociación con el teatro que se extendería hasta 1968, totalizando 344 funciones.

Convertido en el tenor favorito de Toscanini apareció en muchas transmisiones radiales bajo la batuta del director, como también en varias grabaciones comerciales. En 1944 cantó junto al maestro el "Hymn of the Nations", un arreglo de Toscanini hecho para conmemorar la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Durante la década del 50' apareció frecuentemente en los multitudinarios conciertos organizados por Alfredo Antonini en el Lewisohn Stadium, llamados "Italian Nights" en los que se reunía a la Filarmonica de New York con nombres tan populares como los de Robert Merrill, Eileen Farrell, Roberta Peters o Richard Tucker. En 1956 recorrió varias ciudades de la Unión Soviética y se convirtió en el primer norteamericano en ser invitado a cantar en el Bolshoi de Moscú. En 1971 debutó en Broadway como Tevye en "El violinista en el tejado". Su presencia en los escenarios se extendió hasta 1982. Peerce falleció finalmente en diciembre de 1984, a la edad de 80 años.

Jan Peerce fue uno de los cantantes mas famosos de su época, aparte de sus triunfos en el escenario del Met, la suya fue una carrera que se extendió por los escenarios mas variados pues su musicalidad innata le permitía moverse con comodidad por diferentes repertorios. Conocido en su época como "El tenor de Toscanini", tuvo en las transmisiones radiales una plataforma de difusión mediática como pocos otros cantantes han tenido. La voz de Peerce no era especialmente hermosa, la gama de colores exhibía una tendencia a la nasalidad y las durezas de emisión, sin embargo era una voz rendidora, con un registro agudo seguro y la flexibilidad necesaria para encontrar los contrastes dinámicos que le daban vida a su fraseo. La musicalidad era quizás su factor mas importante y el que mayor fama le dio, ya fuese en la ópera, el oratorio, la canción docta o popular.

Peerce tuvo además una famosa enemistad con Richard Tucker, su colega y cuñado (el tenor estaba casado con la hermana de Tucker, Sara). A pesar de las similitudes entre ambos, lo cierto es que se detestaban el uno al otro y no se dirigían la palabra.

Este álbum, grabado en 1958, está dedicado al campo de la canción popular, área en la que Peerce cosechó enormes éxitos de ventas. Todas son canciones muy famosas en su época, incluidas "Bluebird of Happiness", "Because" y "You'll Never Walk Alone". Este disco no recibió edición a CD, y sólo hace unos años aparecieron dos ediciones con muy mala calidad de sonido. La fuente de esta toma que acá posteo proviene de un traspaso hecho directamente desde el LP. El sonido tiene mucha mas claridad y presencia a pesar del ruido de roce típico del vinilo.

Tracklist:

1. Granada
2. You'll Never Walk Alone
3. Wonderful, Wonderful
4. September Song
5. The Bluebird Of Happiness
6. Because
7. Around The World
8. Autumn Leaves
9. My Yiddishe Momme
10. Without A Song
11. I Believe
12. Vesti La Giubba

Joe Reisman and His Orchestra

RCA Victor
mp3@256Kbps | Cover + Scans 
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domingo, 1 de septiembre de 2013

Plácido Domingo - Verdi [MP3]



Para cerrar el fin de semana de novedades, les traigo acá el último recital de Plácido Domingo dedicado a Verdi, esta vez en arias de barítono.

Desde hace ya un par de años el tenor español viene dedicándose al repertorio de barítono. El cambio de cuerda obedece mas a un desgaste de la zona aguda que a una verdadera evolución vocal hacia tesituras mas graves pues el timbre tiene las mismas cualidades soleadas y tenoriles de siempre, algo que a los 72 años puede catalogarse de milagroso.

Así las cosas, Domingo opta por adentrarse en tierras baritonales valiéndose de su siempre poderoso registro central y su facilidad para emitir las notas mas graves. ¿Suena como barítono? claramente no. Y es que lo que define a una voz no es tanto la extensión sino el color y la tesitura. Domingo sigue siendo un tenor y para enfrentarse al Verdi baritonal recurre al ingenioso truco de desplazar el pasaje al agudo un par de escalones mas abajo en la partitura y así darle mayor rotundidad a la zona Re-Fa, que en la mayoría de los tenores es "tierra de nadie".

Es probable que la insistencia de Domingo con seguir cantando sea su amor al escenario y la ópera, que le impide dedicarse al campo de la canción, donde sospecho que aún podría lidiar con una tesitura tenoril, sin tener que recurrir a disfraces ni triquiñuelas técnicas.

Lo rescatable del recital es la calidad musical y expresiva de siempre y debe ser mirado como una excentricidad muy bien lograda de una leyenda viviente mas que un trabajo serio de un barítono puro y de buena ley.

Tracklist:

1. Macbeth: Perfidi!... Pietà, rispetto, amore
2. Rigoletto: Pari siamo!
3. Rigoletto: Cortigiani, vil razza dannata
4. Un ballo in maschera: Alzati... Eri tu che macchiavi quell'anima
5. La Traviata: Di provenza il mar, il suol
6. Simon Boccanegra: Plebe! Patrizi! Popolo!
7. Simon Boccanegra: Ecco la spada
8. Ernani: E questo il loco?
9. Ernani: O de verd'anni miei
10. Il Trovatore: Tutto è deserto
11. Il Trovatore: Il balen del suo sorriso
12. Il Trovatore. Qual suono! Per me, ora fatale
13. Don Carlo: Son io mio Carlo
14. Don Carlo: Per me giunto il di supremo
15. Don Carlo: Che parli tu di morte?... Io Morró, ma lieto in core
16. La forza del destino: Morir! Tremenda cosa!
17. La forza del destino: Urna fatale del mio destino
18. La forza del destino: E s'altra prova rinvenir potessi? ... Egli è salvo! Gioia immensa

Plácido Domingo
Angel Joy Blue (Amelia)
Gianluca Buratto (Fiesco)
Fernando Piqueras (Paolo)
Bonifaci Carrillo (Pietro)
Aquiles Machado (Gabriele / Carlo)
Gianluca Buratto (Ferrando / Chirurgo)

Cor de la Generalitat Valenciana & Orquestra de la Comunítat Valencíana
Pablo Heras-Casado (Conductor)

Sony Classical
mp3@256Kbps | Cover
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